The Anatomy of an Angel, a 2008 sculpture by British artist Damien Hirst, is carved from Carrara marble and measures 187 cm high, 98 cm wide (front view), and 79 cm deep.

The piece features a nude female figure with wings extending from her head to her ankles, covered in a soft relief reminiscent of plumage. Her face presents a stark contrast: one half depicts a woman with a serene expression, looking downward with her hair tied back, while the other half exposes a human skull. Below, the neck is similarly divided, revealing the veins running down to the clavicles, which show no other distinct details. The torso incorporates another anatomical flaying, exposing the stomach and one of the breasts. The legs follow this same split pattern; the left thigh features a large opening that reveals the femur, and the left side of the right foot displays its internal bones.

It features a smooth, detailed texture, though without reaching the obsessive attention to veins found in Michelangelo’s David. The figure sits atop what appears to be a rock serving as a pedestal, with her right leg semi-extended and her foot resting slightly elevated above it. With her arms falling at her sides, the pose aims to showcase in full view the figure’s anatomical sections, stretching seamlessly from the face down to the foot.

The work was exhibited in 2024 at the Jumex Museum in Mexico City. As Hirst’s first sculpture carved from Carrara marble, it naturally revisits his most signature themes: relationship between beauty, religion, life, and death. By questioning the humanity of this celestial being, he chooses to depict the angel with a woman’s body where sections—such as her face, neck, torso, leg, and foot—are laid bare as if viewed through an X-ray machine, coexisting within the same form alongside divine and heavenly elements. The choice of material creates an intriguing dialogue with the figure, as if questioning whether it can still embody the same standard of beauty as it did in 1504. 

Damien Hirst was only 17 years old when he first visited the University of Oxford’s medical school, so his interest in connecting science and art is nothing new. He observes religion as an institution that has lost its power, while science has become what people today embrace as a religion. Theories become absolute truths, and truths turn into common sense that can end up being mocked for its own ignorance.

He offers these anatomically studied images as a divine reflection, reminiscent of the Renaissance era without crossing into the realm of the idealized body. His fascination with corpses and radiographic models of the human form is frequently reflected in his work—most famously in his diamond-encrusted skull. Works such as X-Ray Self Portrait (2010) and similar imagery, where he plays with symbols of mortality and vulnerability, stand as proof of his obsession with the vivid tension between the divine and the aesthetic.

In Christian theology, the figure of angels is little more than a servant or messenger of God, the one who intervenes directly in humanity’s relationship with the divine. They are, in fact, the lowest order of the angelic hierarchy and thus the closest to human existence. However, there was a time in history when this was not the case. Medieval paintings that featured them attempted to reconstruct—from the vague descriptions provided by biblical texts—a body formed by a pastiche of natural elements and whatever qualities each artist chose to visually represent. How does one depict intellect and will? If we could resurrect a medieval artist, we could stage a debate with Hirst—and perhaps invite Pope Leo XIV to help answer the question. 

In the Baroque, the angel began to be depicted as a mortal, distinguished from a human solely by the addition of wings. Hirst’s work, however, proposes a vision that is maybe more anthropological than religious, utilizing the body through anatomically exposed features like the face—with the skull remaining a historical symbol linking death to daily life.

It is hardly surprising to see a figure from the collective imagination portrayed in a way that borders on the mundane, given that the Bible itself describes angels as men dressed in radiant linen, with wings and delicate, defenseless bodies. This invites reflectioning on Hirst’s choice of using the female body in a world where this form is still synonymous with weakness and vulnerability. Yet, I like to believe that certain artistic themes offer limitless modes of representation—becoming even more compelling when the author positions themselves outside the sacred. For this reason, I would love to see a resurgence of this mythical figure in contemporary art to once again compare how modern artists interpret the biblical narrative.

In the end, Damien is an established artist thanks to the aesthetic and conceptual experiences he provides. Since he is a living artist, I hope I won’t have to wait long to see works by younger artists that are thoroughly influenced by his discourse. I am not asking for the fifty studies that Bacon made of the same Velázquez painting, but rather a willingness to question the depiction of a figure whose staging has remained practically unchanged for over 700 years.

Anatomía de un Ángel, una escultura realizada por el artista británico Damien Hirst en el 2008; esculpida en mármol de carrara, tiene una medida de: 187 cm de alto, 98 cm de ancho (vista frontal) y 79 cm de profundidad.

La pieza presenta la figura de una mujer desnuda con alas que van desde su cabeza a los tobillos, el cuerpo de las alas está recubierto por un relieve suave que recuerda a un plumaje animal, mientras que la cara muestra, en una mitad el rostro, una mujer con expresión calmada, mirando hacia abajo y con el cabello recogido, una imagen que contrasta fuertemente con la otra mitad del rostro en donde se aprecia la figura de un cráneo humano. Debajo de esta, el cuello se encuentra igualmente dividido pudiéndose ver las venas que naturalmente pasan por esa área hasta llegar a las clavículas que no tienen ningún detalle visiblemente diferente. En el torso se ve otro escarnio interno de la visión anatómica del estómago y uno de los pechos de la mujer. Las piernas por otro lado siguen la misma línea dividida; el muslo izquierdo mostrando una abertura de gran tamaño que permite ver el fémur del cuerpo y finalmente se encuentran la mitad del pie derecho que muestra en su mitad izquierda los huesos de este.

Posee una textura lisa y detallada, aunque sin llegar a la obsesiva atención a las venas de un David de Miguel Ángel. La figura se encuentra sentada sobre lo que parece ser una roca que funciona como pedestal; con la pierna derecha semi extendida y el pie apoyado en un tramo de la roca. Con los brazos cayendo a sus lados muestra en todo su esplendor las partes del cuerpo con vista anatómica desde el rostro hasta su pie.

La obra fue expuesta en el 2024 en el Museo Jumex de la Ciudad de México, siendo la primera escultura de Hirts tallada en mármol de carrara no sorprende que haya recurrido a sus temas más habituales: la relación entre belleza, religión, vida y muerte. Cuestionando la humanidad de este ser superior decide mostrar al Ángel con el cuerpo de una mujer que, mientras que partes como su cara, cuello, torso, pierna y pie quedan al descubierto como si estuviera bajo una máquina de rayos x, coexisten en el mismo cuerpo con elementos asociados a lo divino y lo celestial. Resulta curiosa la elección del material que dialoga con la figura como si se estuviera cuestionando su capacidad de ser bella como en 1504.

Damien Hirst tenía 17 años cuando visitó por primera vez la facultad de medicina de la Universidad de Oxford por lo que su interés en relacionar ciencia y arte no es algo nuevo, ve a la religión como un orden que ha perdido poder, la ciencia es algo que en estos tiempos la gente entiende como religión. Las teorías son verdades y las verdades se convierten en sentido común que pueden ser objeto de burla por su ignorancia.

Propone estas imágenes anatómicamente estudiadas para un reflejo divino que recuerdan a una época renacentista sin cruzar la frontera del cuerpo idealizado. Su admiración por los cadáveres o estos modelos radiográficos del ser humano se ven muchas veces representado en su obra, la más famosa de estas: una calavera adornada de diamantes. Obras como Autorretrato Rayos-X (2010) y otras imágenes similares con las que suele jugar entre un símbolo que nos recuerda a la muerte y vulnerabilidad, son la prueba de su obsesión por la tensión viva entre lo divino y lo estético.

La figura del Ángel para la religión cristiana es poco más que un servidor o un mensajero de Dios, aquel que interviene directamente en la relación de los humanos con este mismo; estos, son de hecho, lo más bajo de la jerarquía angelical y por tanto los más cercano a lo humano. Sin embargo, hubo una vez en la historia donde esto no fue así. Las pinturas medievales donde estos estaban invitados a participar trataban de reconstruir, a partir de las vagas descripciones que nos proporciona el texto bíblico, un cuerpo con un pasticho de elementos tanto de la naturaleza como aquellas cualidades que cada pintor decidió cómo representar visualmente. ¿Cómo se representa el intelecto y la voluntad? Si logramos revivir a algún autor del medievo podemos armar un debate con Hirst y tal vez invitar al Papa León XIV para responder esta pregunta.

En el Barroco comenzó su representación mortal; diferenciándose de un humano únicamente por la inclusión de alas en su imagen. Aunque la obra de Hirst propone quizás una visión más antropológica que religiosa. Desde el uso del cuerpo como las partes anatómicamente reveladas como el rostro; siendo la calavera históricamente un símbolo que relaciona la muerte con la vida cotidiana.

No sorprende la muestra de este personaje del imaginario colectivo de manera casi rozando lo mundano dado que la Biblia también los describe como hombres vestidos de lino, brillantes y con alas que poseen cuerpos indefensos y delicados… invita a pensar en el uso del cuerpo de la mujer para la obra de Hirst en un mundo donde, esté, aún es sinónimo de debilidad y vulnerabilidad. Sin embargo, me gusta creer que hay ciertos temas en el arte cuyas diferentes maneras de representación son ilimitadas, con un toque incluso más interesante cuando su autor se posiciona ajeno a lo sagrado, por lo que me encantaría ver en el arte contemporáneo el regreso de esta mítica figura y poder comparar nuevamente la lectura que se le está dando a la descripción bíblica.

Al final Damien es un artista consolidado gracias a las experiencias estéticas y conceptuales que brinda. Al ser un artista vivo espero no esperar mucho tiempo para encontrar obras de artistas más jóvenes completamente influenciadas por su discurso. No estoy pidiendo los 50 estudios que realizó Bacon de la misma pintura de Velazquez, pero si cuestionar la representación de una figura que no ha cambiado prácticamente nada de su puesta en escena desde hace más de 700 años.